去“呼吸”。美术馆分为两个展厅：其中一个展出那些所谓经典现代派的作品，如康定斯基、马可和George Braque；而另一展厅所展出的是比较近代和清新隽永而定期更换的作品。无论如何，这两个展馆所要展示的并不是艺术的发展过程或艺术史，而是比它们更重要的东西—艺术精神。策展人透过巧妙的安排，用不同作品烘托出主题；例如只展出几幅安迪·沃霍尔和Roy Lichtenstein重要和具代表性的作品，人们便很容易认识到消费主义对上世纪60和70年代生活的改变。相反，若把大量的波普作品陈列出来，主题可能反而会被淡化，甚至令人无所适从。
    展馆的概念并不是要把作品根据年代、次序一一陈列出来，而是要让不同的作品得到足够的空间，让它们一展其长，烘托出作品与作品之间的关系。

版画馆
    我认为对于画画和雕塑唯一一样重要的东西是绘图。若能够好好地绘图，其他的一切也可以做得好。
    —贾柯梅蒂，瑞士雕塑家和画家，1901—1966
    版画馆拥有超过400,000张藏品，当中包括45,000 张绘图(drawing) 和360,000 张版画(print)；它们来自各个年代—由15 世纪到现代，而当中最珍贵的要算是来自多位文艺复兴时期的大师的绘图和版画，特别是德国的丢勒。丢勒生于黑暗的中世纪德国，当时到处是战争和饥荒，他观察大自然，作品反映出现实的生命；而他对人体比例的研究亦很有独到之处，对后世的影响甚深远。版画馆还藏有大量经典现代画家的作品，如塞尚、毕加索、Ernst Ludwig Kirchner、达利和Paul Klee。
    从艺术价值的角度来看，不论在哪个时期画家和雕塑家都一致认为绘图其实是最重要的。这就像意大利文艺复兴大师Jacopo Pontormo所说的：“只有一样东西是崇高的和作为一切的基础—绘图。相比起来，其他的一切也变得微弱和不重要。”
    版画馆的面积相比起其他展馆是比较小一点，但是它却处于现代绘画陈列馆最中心的位置，就像博物馆的宝库一样。

建筑馆
    不同的艺术形式尝试通过建筑去达到一个统一的目标；而建筑带领它们迈向这个目标。
    —Adolf Behne, 德国建筑师，1885—1948
建筑学和艺术一直以来都是不可分割开的—在中世纪的欧洲，建筑师领导美术家和工匠去建筑教堂和房子；时至今日，他们的关系也是大同小异的。建筑、绘图、美术和手工艺其实很难画清界线，它们整体是一件艺术品。出色的建筑物根本就是一件雕塑品，就像在西班牙北部的比尔堡城(Bilbao)的古根汉姆博物馆。其实，艺术工作者的传统分界也渐渐消失：画家如贝恩斯(Peter Behrens) 同时也是建筑师；而建筑师如摩肯托斯 (Mackintosh )和Frank Lloyd Wright亦同时设计家具、室内布置甚至刀叉；俄国画家马可卫奇(Kasimir Malevich) 曾在1931年画了那幅极具争议性的《黑色四方形》，他认为他的作品其实是建筑模型，他运用三角形、四边形、梯形和十字制造出无穷无尽和充满动感的空间，这些都是他所谓的未来世界的元素。马可卫奇对建筑和艺术的观点对后世的建筑／艺术家如Frank Lloyd Wright影响甚远。另一俄国画家El Lissitzsky 却让不同的几何图形在他的画中飞翔；他更命名他的作品为《Prounen》(俄语：艺术中的革新)，而美术对他来说只是“由绘画转到建筑的车站”。 新绘画陈列馆在建筑这方面的藏品很丰富，包括500,000张绘图、100,000张相片和500个建筑模型，由Balthasar Neumann、门德尔松到Le Corbusier。